A Persistência e o Progresso: Como Medir Sua Evolução

No estudo da arte, um dos maiores desafios é perceber o próprio progresso. Às vezes, olhamos para nossos desenhos e sentimos que nada mudou. Mas será que estamos enxergando nossa evolução corretamente?

A verdade é que a melhoria artística não acontece de forma linear. Há momentos de avanço rápido, seguidos de períodos onde tudo parece estagnado. Isso faz parte do processo. O mais importante é persistir — porque cada prática, mesmo aquela que parece falha, contribui para o aprendizado.

Uma das formas mais eficazes de medir evolução é comparar desenhos antigos com os atuais. Pequenos detalhes fazem diferença: proporção mais precisa, sombras mais bem aplicadas, poses mais naturais. Muitas vezes, o progresso não está na complexidade do desenho, mas na confiança com que desenhamos.

Outro aspecto essencial da evolução é não se cobrar demais. Erros fazem parte do caminho. Todo artista passa por momentos de dúvida — o segredo está em seguir desenhando, absorvendo referências e experimentando técnicas novas.

Se hoje você sente que não evoluiu, faça um teste: pegue um desenho antigo e refaça com seu conhecimento atual. Você pode se surpreender com o quanto aprendeu.

 

 

Persistence and Progress: How to Measure Your Artistic Growth

One of the biggest challenges in studying art is recognizing your own progress. Sometimes, we look at our drawings and feel like nothing has changed. But are we truly seeing our improvement clearly?

The truth is that artistic growth doesn’t happen in a straight line. There are moments of rapid progress followed by phases where everything feels stagnant. That’s part of the process. The most important thing is persistence — because every practice session, even the ones that seem unsuccessful, contributes to learning.

One of the most effective ways to measure growth is to compare old drawings with new ones. Small details make a big difference: better proportions, more refined shading, more natural poses. Often, progress isn’t just in complexity but in the confidence we have while drawing.

Another key aspect of artistic development is avoiding excessive self-criticism. Mistakes are part of the journey. Every artist experiences doubt — the secret is to keep drawing, absorbing references, and experimenting with new techniques.

If today you feel like you haven’t improved, try this: take an old sketch and redraw it using your current knowledge. You might be surprised at how much you’ve learned.

 

 

                                              CFS.

 

 

Treino com Anthony Cournoyer 2...Rino.

Translator

Olá!! 👋

Seguimos com o treino em **art concept com lápis**, desta vez inspirado na arte marcante de **Anthony Cournoyer**.

O personagem? Um **rinoceronte imponente**, já se preparando para uma visita ao **Rio de Janeiro**... passando tranquilamente pela **Av. Brasil** e pela **Linha Vermelha** — imagina a cena! rsrsrsrs 🦏🚗

Essa ilustração trouxe novos desafios no uso de **grafite**, principalmente no estudo de **volumes**, **texturas** e **anatomia animal**. Cada traço foi uma chance de explorar mais a linguagem visual e reforçar nossa busca pela **evolução artística**.

Curtiu? Me diz aí nos comentários! 😄

Hey there!! 👋

We’re back at it with another round of **pencil art concept training**, this time inspired by the bold work of **Anthony Cournoyer**.

The character? A **powerful rhinoceros**, apparently gearing up to visit **Rio de Janeiro** — cruising down **Avenida Brasil** and the **Linha Vermelha**, just casually navigating city traffic... hahaha 🦏🚗

This sketch brought some great challenges in **graphite work**, especially with **volume**, **texture rendering**, and **animal anatomy studies**. Each stroke was a new opportunity to explore visual language and deepen our journey toward **artistic growth**.

Did you like it? Let me know in the comments! 😄

 

                                             CFS.

 

 

O Impacto do Apoio à Arte Nacional

Cada vez que divulgamos o trabalho de um artista independente, estamos ajudando a fortalecer uma comunidade criativa. No Brasil, há talentos incríveis na ilustração, animação e concept art, mas muitos enfrentam desafios para tornar seu trabalho visível.

Apoiar a arte nacional não significa apenas comprar uma obra — pode ser tão simples quanto compartilhar um post, comentar um trabalho ou recomendar um artista para alguém. Pequenos gestos fazem toda a diferença, pois permitem que criadores alcancem mais pessoas e sigam produzindo.

Muitos dos estilos que estudo são de artistas internacionais, mas sempre procuro valorizar o que temos por aqui. O Brasil tem ilustradores excepcionais que trazem identidade, história e uma visão única para suas obras.

Se queremos que a arte continue crescendo, precisamos ser parte desse movimento. Ao valorizar ilustradores independentes, estamos ajudando a construir um cenário mais forte, diversificado e representativo

 

 

The Impact of Supporting National Art

Every time we promote the work of an independent artist, we help strengthen a creative community. In Brazil, there are incredible talents in illustration, animation, and concept art, but many face challenges in making their work visible.

Supporting national art isn’t just about purchasing a piece—it can be as simple as sharing a post, commenting on a project, or recommending an artist to someone. Small gestures make a huge difference because they allow creators to reach more people and continue producing.

Many of the styles I study belong to international artists, but I always strive to highlight what we have here. Brazil has exceptional illustrators who bring identity, history, and a unique perspective to their works.

If we want art to keep growing, we must be part of that movement. By valuing independent illustrators, we help build a stronger, more diverse, and representative creative scene.

 

 

                                                                   CFS.

 

Treino com Anthony Cournoyer... Gorilasss

Translator

Olá!!! 👋

Seguimos com os treinos em **art concept com lápis**, explorando agora uma arte marcante do ilustrador **Anthony Cournoyer**. 🖌️

O tema? Um **gorila cheio de expressão e impacto**, excelente para estudar **estrutura anatômica**, **volumetria** e **sombreamento em grafite**. Cada traço traz novos aprendizados e reforça nosso compromisso com a **evolução artística**.

Viu? Curtiu? Me conta aí! 😄

Hey there!!! 👋

We're continuing our **pencil art concept training**, now exploring a striking piece by illustrator **Anthony Cournoyer**. 🖌️

The subject? A **gorilla full of expression and impact**, perfect for studying **anatomy structure**, **volumetrics**, and **graphite shading**. Each stroke brings new insights and strengthens our commitment to **artistic growth**.

Saw it? Liked it? Tell me in the comments! 😄 

 

                                                     CFS.

 

 

Entre Técnica e Criatividade: O Equilíbrio no Estudo

 

3. Entre Técnica e Criatividade: O Equilíbrio no Estudo

Se dedicar ao estudo da arte é entender que técnica e criatividade caminham juntas. Enquanto a técnica nos dá ferramentas para representar formas, luz, proporções e texturas com precisão, a criatividade nos permite explorar novos caminhos e dar identidade ao que criamos.

Muitos artistas iniciantes se perguntam: devo focar em aprender regras ou seguir minha intuição? A resposta está no equilíbrio. A técnica é como um alicerce sólido — quanto mais dominamos princípios básicos, mais liberdade temos para experimentar. Por outro lado, arte sem criatividade pode se tornar apenas uma reprodução mecânica, sem emoção ou significado.

Ao longo dos meus estudos em concept art, percebo que os momentos de maior evolução acontecem quando aplico técnicas aprendidas em criações próprias. Quando compreendo composição e anatomia, consigo distorcer, exagerar ou estilizar de forma intencional. Quando estudo cor e luz, posso brincar com atmosferas diferentes.

O segredo está em não se prender nem à técnica pura, nem à total liberdade criativa. O desenvolvimento artístico acontece quando conseguimos integrar aprendizado e expressão em cada novo desenho.

 

 

Between Technique and Creativity: Finding the Balance in Art

Dedicating yourself to studying art means understanding that technique and creativity go hand in hand. While technique provides the tools to represent shapes, light, proportions, and textures accurately, creativity allows us to explore new possibilities and give identity to our work.

Many beginner artists wonder: should I focus on learning rules or follow my intuition? The answer lies in balance. Technique is like a solid foundation— the more we master the fundamentals, the more freedom we have to experiment. On the other hand, art without creativity can become a purely mechanical reproduction, lacking emotion or meaning.

Throughout my concept art studies, I’ve noticed that the moments of greatest artistic growth happen when I apply learned techniques to my own creations. When I understand composition and anatomy, I can distort, exaggerate, or stylize intentionally. When I study color and lighting, I can play with different atmospheres.

The key is not to be confined by pure technique or absolute creative freedom. Artistic development occurs when we integrate learning and self-expression into each new sketch.   

 

                                         CFS.